أكثر

العلامات ذات الأنماط: كيفية الحصول على علامات الارتداد بنقاط الموقع؟


أريد تحديد موقع مهم بعلامات أكبر (مؤشر بشوكات) وموقع أصغر بعلامات عادية (نقاط ملونة). أريد أن ترتد العلامات الكبيرة عند المرور فوقها. كيفية تحقيق هذا التأثير في خرائط Google أو باستخدام Leaflet.


إذا كنت قد أنجزت مهامك الثلاث بشكل فردي ، فلن أخوض في كيفية تحقيقها. لتجميعهم معًا ، سيكون أفضل رهان لك هو خريطة بطبقتين متجهتين مختلفتين. قم بتخزين النقاط الصغيرة في النقطة الأولى والعلامات في النقطة الثانية. ثم قم بتعيين ملفتمرير الماوسحدث للطبقة الثانية مع وظيفة لتحريكها.

يعد تحقيق الرسوم المتحركة في خرائط Google أمرًا بسيطًا للغاية بالنسبة لوظيفة الرسوم المتحركة التي تقدمها API كما أشارphloem في قسم التعليقات.

لا أستخدم واجهة برمجة تطبيقات خرائط Google ، لأنها أنانية (لا تدعم المصادر الخارجية) وليست البرمجيات الحرة والمفتوحة المصدر ، لذلك سأوضح كيفية تحقيق هدفك في Leaflet:

في Leaflet يمكنك استخدام ملحق BounceMarker الخاص بـ Maxime Hadjinlian: http://jsfiddle.net/GFarkas/3tac6ckp/.

يميل هذا المكون الإضافي إلى أن يكون معقدًا إذا قمت بسحب الماوس فوق علامة عدة مرات بسرعة كبيرة ، لذلك فهو أكثر ملاءمة إذا كنت تستخدمه فقط معيضيفأوانقرحدث.

هناك طريقة لتنظيم الفاصل الزمني الذي يمكن استدعاء تأثير الارتداد فيه. في هذا الكمان ، قمت بإنشاء متغيرين Date () اللذين لن يسمحا لتأثير الارتداد بالحدوث أكثر من 501 مللي ثانية. يمكنك تعيين هذا الفاصل الزمني على أنه مرتفع أو منخفض كما تريد ، ولكن الأمر يستحق تعيينه لفترة أطول إلى حد ما من مدة الرسوم المتحركة المرتدة ، لذلك لن يلاحظ المستخدمون أنهم لا يستطيعون ارتداد علامة في فترة زمنية محددة ، حتى الآن يمكن تشغيل الرسوم المتحركة ، لذلك لن يحدث أي خلل:

var then = new Date () ؛ لـ (var i = 0؛ i 

إنشاء تراكب البيانات باستخدام Mapbox

الآن بعد أن تعرفت على بيئة Mapbox ، دعنا نجرب شيئًا أكثر تعقيدًا يتضمن تعديل نمط Mapbox ، وإنشاء بيانات موضوعية من البداية ، وعرض النتيجة في بيئة متصفح الويب بدلاً من ArcMap.

لنفترض أنك مسؤول عن إنشاء موقع ويب لإظهار أفضل خمسة مطاعم في بلدتك (معك وحدك بصفتك القاضي). تريد إنشاء خريطة بسرعة بحيث يمكنك تضمينها في موقع ويب ، ولكن نظرًا لأنك رسام خرائط صعب الإرضاء إلى حد ما ، فأنت تريد التحكم الكامل في نمط الخريطة. لنفعل ذلك باستخدام Mapbox ، أولاً نصمم خريطة أساس ، ثم نضيف البيانات لتمثيل المطاعم الخمسة محل الاهتمام.

  1. في Mapbox Studio ، انقر فوق الأنماط القائمة وإنشاء ملف أسلوب جديد باستخدام ربيع تباين أساسي قالب.
  2. قم بإنشاء اسم لنمطك ، مثل Geog865Base.
  3. قم بالتكبير إلى ولايتك وانقر فوق المنطقة الخضراء (التي تمثل أراضي الغابات أو المنتزه). ثم حدد اسم الطبقة الذي من المحتمل أن يكون شيئًا مثل: الأرض والمياه ... يجب أن تظهر قائمة إضافية تسمح لك بتعديل نمط هذه الميزة ، بما في ذلك اللون.

لقد انتهيت من تعديل خريطة الأساس في الوقت الحالي. لست مضطرًا إلى حفظ عملك الذي كان Mapbox Studio يفعل ذلك أثناء تقدمك. الآن دعونا ندخل المطاعم.

  1. في الجانب الأيمن العلوي من Mapbox Studio ، انقر فوق Mapbox للرجوع إلى صفحة الاستوديو الرئيسية ، ثم حدد ملف مجموعات البيانات قائمة.
  2. انقر مجموعة بيانات جديدة.
  3. أدخل الاسم أفضل خمسة مطاعم، وانقر يخلق.
  4. قم بتكبير مكان تعرفه جيدًا (مثل مدينتك) ، وانقر فوق رمز الدمعة المقلوب رأسًا على عقب لرسم نقطة.
  5. انقر على الخريطة في موقع مطعمك المفضل. يجب أن تظهر نقطة برتقالية. (إذا كنت بحاجة إلى مساعدة في العثور على هذا ، فاستخدم خريطة أخرى للرجوع إليها أو قم بتغيير نمط الخلفية إلى إحدى خرائط القمر الصناعي Mapbox).

بعد ذلك ، ستقوم بتطبيق أسلوبك الخاص على الرموز وإضافة بعض التصنيفات. ستقوم بعد ذلك بمعاينة خريطتك في متصفح الويب.

هناك عدة طرق يمكنك من خلالها ترميز نقاط المطعم هذه. قد تكون إحدى الطرق باستخدام رمز صغير في شكل ملف رسومات متجهية قابلة للتطوير (SVG). يوفر Mapbox مجموعة رائعة من رموز SVG تسمى Maki.

طريقة أخرى هي مجرد استخدام علامة أساسية مثل الدائرة. سنتخذ هذا النهج ، لكننا سنضيف أيضًا تسمية من بعض المعلومات التي أدخلناها في حقول المطعم. ستتم معاملة نقاط المطعم والتسميات على أنها طبقات منفصلة في الخريطة. اتبع هذه الخطوات:

    عرض الخاص بك خريطة الأساس في Mapbox Studio ، قم بتغيير رمز دائرة أفضل خمسة مطاعم للحصول على لون ومخطط تفصيلي يروق لك.


وهي علامة تحريرية تقدمها هيئة تحرير الطبعة. تميل علامات الفقرة لأناجيل دراسة KJV الأحدث إلى أن تكون هي نفسها ، لكن بعضها يختلف عن فواصل الفقرات في نسخة الملك جيمس المعتمدة لعام 1611.

كان إنجيل جنيف لعام 1599 هو أول من قام بترقيم الآيات ، وكانت كل آية فقرة خاصة بها.

"كان الكتاب المقدس في جنيف هو أول كتاب مقدس إنجليزي يستخدم كل من الفصل الحديث وأقسام الآيات للكتاب المقدس بأكمله. اتبعت آيات العهد الجديد في الكتاب المقدس في جنيف أقسام آيات العهد الجديد اليوناني لعام 1551 لإستيان. وكانت كل آية عبارة عن فقرة جديدة." المصدر: هنا.

تم إدراج العلامة ¶ في 1599 GNV في أقسام نصية أكبر للإشارة إلى انقطاع في النشاط أو الفكر. إنه نتاج هيئة التحرير.

أصبح هذا معيارًا للاستخدام في الترجمات اللاحقة ، لكن كل لجنة تحرير اتخذت قرارها الخاص. تتفق فواصل الفقرة في نسخة الملك جيمس في بعض الأحيان مع تلك الخاصة بـ 1599 GNV ، ولكنها غالبًا ما تنحرف.

تم إدخال علامات الترقيم في المستندات المكتوبة في حوالي القرن الثالث قبل الميلاد لتقديم اقتراح للخطيب لتوقف التنفس ، وفي النهاية بدأ في تضمين علامات أخرى للجودة اللونية مثل علامات التعجب وعلامات الاستفهام. كانت العلامات إضافة إلى النص المكتوب للخطيب ، للمساعدة في الخطابة العامة.

"كانت الأهمية التي تعلق على تفسير القارئ الفردي للنص كبيرة جدًا ، في الواقع ، أنه لم يتم العثور على مخطوطة واحدة موجودة قبل العصور الوسطى في يد الكاتب نفسه (10) فقط عندما أعد القارئ نصًا ليكون بصوت عالٍ ، فسيتم شرحه على هذا النحو ". Souce: Pilcrow الجزء 1

بشكل عام ، يبدو أن إدخال اسم Pilcrow يتم تحديده بشكل مستقل من قبل كل لجنة من لجان الترجمة.

للحجاج (¶) تاريخ مثير للاهتمام ، وقد اشتُق تدريجيًا من رأسية استخدمها الرهبان لتمييز الفصول الجديدة ثم استخدمها لاحقًا للفقرات الجديدة أو علامات الجمل ، كما حدد الكاتب / الكاتب مناسبًا.

"في البداية ، استخدم فقط لتمييز الفصول ، ثم بدأ في تأليف النصوص على هيئة خط فاصل أو حتى علامة جملة بحيث يقسم كتلة من النص إلى أقسام ذات معنى كما يراه الكاتب مناسبًا. ¶ هذا النمط من نتج عن الاستخدام نصًا مضغوطًا جدًا ، 19 ربما يرجع إلى الممارسة الحديثة لـ سكريبتيو استمرار. في النهاية ، على الرغم من ذلك ، تجاوز مفهوم الفقرة الحاجة إلى الكفاءة وأصبح مهمًا للغاية بحيث يتطلب سطرًا جديدًا † - مسبوقًا بحرف ، بالطبع ، لتقديمه ". Souce: Pilcrow Part 2

ملاحظة مثيرة للاهتمام هي أن آخر نسخة من الترجمات الإنجليزية تحدث في أعمال الرسل 20:36. وقد تكهن البعض أن المنضدين الأصليين قد نفد من الحجاج ولم يتمكنوا من استخدامها في بقية الكتاب المقدس. قرر البعض الآخر بعض التدخل الإلهي في التوقف عن الاستخدام في جميع أنحاء الرسائل والرؤيا. انظر "علامة الفقرة الأخيرة" هنا.

من الأرجح أن الرسائل كانت قصيرة بما يكفي لأن الآيات كانت كافية لتكون بمثابة علامات مسافة وفواصل فقرات. لكني لم أجد أي فقرة في سفر الرؤيا في أي من نسخ الملك جيمس الخاصة بي.

معلومات مصدر إضافية عن إهمال Pilcrow في النوع المطبوع: Pilcrow الجزء 3


  1. انقر فوق رمز "الهامبرغر" في الزاوية اليسرى العلوية:
  2. انقر فوق القمر الصناعي (العنصر الثاني من القائمة) لتشغيل وضع القمر الصناعي إذا لم يكن قيد التشغيل بعد
  3. انقر فوق "الملصقات" الموجودة أسفل القمر الصناعي. يتغير إلى "الملصقات" بعد ذلك
  4. يتمتع!

  1. انقر فوق رمز القائمة في الزاوية اليسرى العليا
  2. قم بتشغيل وضع Earth (العنصر الأول في القائمة) إذا لم يكن قيد التشغيل
  3. انقر فوق Labels on. يتغير إلى "الملصقات" بعد ذلك
  4. يتمتع!

إن الشكاوى حول عدم وجود مثل هذه الميزة (أعتقد أنه ربما يكون على موقع عرض "Earth" مقارنة بالقمر الصناعي) حديثة ، لذا أعتقد أنه لا توجد حتى الآن طريقة بسيطة لإزالة الملصقات. ومع ذلك ، هناك هذه النصيحة من جون مي في 24 يونيو (على الأرجح 2014):

إما:

أ) اضغط على & quot؟ & quot على الخرائط الجديدة وحدد & quot العودة إلى خرائط Google القديمة & quot. على الخرائط القديمة في أداة & quotmap / traffic & quot في أعلى يمين الصفحة ، يمكنك إلغاء تحديد & quotlabels & quot. في الشريط الجانبي الأيسر ، انقر على & اقتباسه الآن & quot للعودة إلى خرائط Google الجديدة (أو & quotdismiss & quot إعلام "تذكر أريد الخرائط القديمة" وأغلق / أعد فتح المتصفح.

بدلا من ذلك

ب) قم بتثبيت برنامج Google Earth وإيقاف تشغيل جميع & quotLayers & quot

لم أختبر هذا ولكن يبدو أنه تم التصويت عليه أكثر من التصويت ضده.


النشاط 2. سرد القصص: الاستماع إلى شيوخ السكان الأصليين

اطلب من الطلاب التفكير في شيء ربما تعلموه من آبائهم أو معلميهم من خلال أغنية أو قصة. هل تعلموا أبجدياتهم من أغنية؟ أم هل تعلموا العد من القافية (مثل واحد ، اثنان ، ربط حذائي ، إلخ)؟ هل كان من الأسهل تعلم أبجدياتهم من خلال تعلم أغنية تتماشى معها؟

اطلب من الطلاب التفكير في المسار من غرفهم في المنزل إلى المطبخ (أو من المنزل إلى المدرسة). كيف يشرحون لشخص آخر كيف ينتقل من غرفة إلى أخرى؟ ما هي المعالم التي سيطلبون من الشخص الآخر البحث عنها؟ قد يقول الطلاب أشياء مثل "تجاوز غرفة أخي ثم انعطف يمينًا". لكن كيف سيعرف شخص لا يعرف منزله بالفعل عندما تجاوز غرفة أخيه؟ كيف سيشرحون ذلك لشخص غير مألوف بطريقة تمكنهم من التعرف على هذا المعلم وتذكره؟ هل من الممكن أن يرووا قصة عن المعلم الذي قد يساعدهم على تذكره؟ ما القصة التي سيقولونها لشخص ما لمساعدتهم على تذكر المعالم؟ على سبيل المثال ، قد يقدم الطلاب قصصًا حول الملصقات الموجودة على باب أخيهم ، مثل توضيح أنه حصل عليها في حفلة موسيقية.

تحتوي العديد من قصص السكان الأصليين على هذا النوع من المعلومات المضمنة فيها. بالإضافة إلى نقل المعلومات حول المناظر الطبيعية ، تشرح العديد من قصص السكان الأصليين الظواهر الطبيعية ، مثل خصائص الحيوانات والنباتات في أستراليا. أخيرًا ، تم تصميم العديد من قصص السكان الأصليين لتعليم دروس حول الأخلاق والأخلاق والسلوك الصحيح. اسأل الطلاب عما إذا كانوا قد سمعوا من قبل بقصة لها أخلاق؟ قد يحددون حكاية ، مثل إحدى خرافات إيسوب ، أو حكاية خرافية.

ربما يكون أفضل مكان لبدء التعرف على رواية القصص لدى السكان الأصليين هو مفهوم وقت الحلم. يؤمن السكان الأصليون بزمن يسمى Dreamtime ، حيث تشكلت الأرض والسماء فوق وكل ما تحتويه من تصرفات كائنات مجهولة وخارقة للطبيعة. Dreamtime هو بداية كل شيء ، وهناك العديد من قصص السكان الأصليين التي تربط إنشاء جغرافية أستراليا بأفعال الحيوانات والأرواح والأشخاص في Dreamtime. قد ترغب في البدء بمشاركة المعلومات الموجودة على Dreamtime والمتوفرة من خلال موقع الويب Native Web الذي تمت مراجعته بواسطة EDSITEment. اعمل مع الفصل لإنشاء تعريف لفكرة Dreamtime. قد يكون التعريف العملي هو: الفترة التي تشكل فيها العالم ، وفقًا للسكان الأصليين ، وظهرت كل الأشياء.

الآن بعد أن تعلم الطلاب شيئًا ما عن مفهوم Dreamtime ، أصبحوا مستعدين للتعرف على سرد قصص السكان الأصليين ، والاستماع إلى بعض القصص حول Dreamtime. ابدأ بالاستماع إلى مقدمة عن رواية قصص السكان الأصليين بقلم عمتي بيريل كارمايكل ، بعنوان لماذا تُروى القصص. يتوفر هذا كملف صوتي وملف نصي من صفحة الويب هذه ، والتي يمكن الوصول إليها من خلال Native Web. عندما تنتهي أنت وفصلك من الاستماع إلى شرح سبب سرد القصص ، يمكنك الانتقال إلى الاستماع إلى بعض القصص التي يرويها رواة القصص من السكان الأصليين. يمكنك الاختيار من بين القصص المتاحة كملفات صوتية ونصية مدرجة هنا.

ملحوظة: إذا كنت قادرًا على تنزيل الملفات الصوتية ، فإن الاستماع إلى رواة القصص من السكان الأصليين وهم يروون القصص بأصواتهم الخاصة سيسمح لطلابك بتجربة شيء من ثقافة السكان الأصليين عن قرب. ومع ذلك ، من المحتمل أن تكون لهجات رواة القصص غير مألوفة لمعظم طلابك ، مما يجعل من الصعب عليهم فهم كل شيء في القصة على الفور. قد ترغب في قراءة بعض القصص للفصل من النصوص المتوفرة. من المهم أيضًا أن نلاحظ للطلاب أن رواية القصص قد تغيرت بمرور الوقت كممارسة ، وأنه يجب عليهم الانتباه إلى حقيقة أن هذه القصص تُروى الآن باللغة الإنجليزية ، وليس بلغة السكان الأصليين. قد يساعد هذا الطلاب على فهم أنه في حين أن ممارسة سرد القصص قديمة ، إلا أنها أيضًا تطورت مع حياة السكان الأصليين ، تاريخيًا وفي الحياة المعاصرة.

قد تحتاج إلى إنشاء برنامج قصص للاستماع إليها يتناسب مع قيود وقت فصلك. قد يمنح اختيار أنواع مختلفة من القصص الطلاب مجموعة جيدة من أساليب وتقنيات سرد القصص. قد تفكر في القصص الأربع التالية لمجموعة من الأساليب:

    . ستساعد هذه القصة في تقديم Dreamtime لطلابك. . تعطي هذه القصة خلفية تفسيرية للتكوينات الجغرافية. . تحتوي هذه القصة على درس واضح في السلوك الأخلاقي. . تشرح القصة الخصائص الفيزيائية للحوت والكوالا ونجم البحر.

بعد الاستماع إلى كل قصة ، اطلب من الطلاب تحديد الشخصيات الرئيسية في السرد. ثم استخدم الأسئلة التالية لقيادة مناقشة الصف:

  • هل الشخصيات الرئيسية بشر؟ هل هم حيوانات؟ هل هم أرواح؟
  • هل الشخصيات في القصة خاصة بأستراليا؟ هل يمكن للطلاب التعرف على الحيوانات في القصة من قائمة الحيوانات الأسترالية من النشاط السابق؟
  • ما هي أهم الأحداث في القصة؟
  • هل علمت القصة المستمعين شيئًا عن المناظر الطبيعية أو النباتات أو الحيوانات في أستراليا؟
  • هل علمت القصة درسا؟ أي نوع من الدرس؟
  • ما هو المغزى من القصة؟

يتمثل أحد الجوانب المهمة في سرد ​​القصص لدى السكان الأصليين في أن القصص هي نوع من الملكية ، ولا يُسمح إلا لبعض الأشخاص - أولئك الذين "يمتلكون" القصة - برواية القصة. يتحمل الأشخاص أو المجتمعات التي تمتلك القصة مسؤولية الوصاية عليها: فهم مسؤولون عن الاهتمام بالقصة ونقلها إلى الجيل التالي. أيضًا ، هناك بعض القصص التي لا ينبغي على المرء أن يسمعها إلا إذا كانوا ينتمون إلى المجتمع الذي يملكها. هذا جانب من جوانب سرد القصص يختلف تمامًا عما اعتاد عليه الطلاب على الأرجح ، وهو جزء مهم من ثقافة السكان الأصليين. قد ترغب في إثارة هذه المشكلة مع الطلاب من خلال الإشارة إلى أنه يوجد في العديد من مواقع الويب إخلاء مسؤولية يوضح أن القائمين على القصة قد سمحوا بظهورها على الموقع ، وتحذر المشاهدين من أن القصص موجودة بالداخل. أن السكان الأصليين الذين لا يُسمح لهم بسماعهم أو رؤيتهم لن يراهم عن طريق الصدفة.


محتويات

  • الإبداع الفني أو الفردية التعبيرية: في الفن الأفريقي الغربي على وجه الخصوص ، هناك تركيز واسع النطاق على الفردية التعبيرية بينما تتأثر في نفس الوقت بأعمال أسلافها. ومن الأمثلة على ذلك فن دان بالإضافة إلى وجوده في الشتات الأفريقي الغربي. [13] [14]
  • التركيز على الشكل البشري: لطالما كانت الشخصية البشرية هي الموضوع الأساسي لمعظم الفن الأفريقي ، وقد أثر هذا التركيز حتى على تقاليد أوروبية معينة. [9] على سبيل المثال ، في القرن الخامس عشر ، كانت البرتغال تتاجر بثقافة سابي بالقرب من ساحل العاج في غرب إفريقيا ، والتي ابتكرت ملاحات عاجية متقنة كانت هجينة من التصاميم الأفريقية والأوروبية ، وعلى الأخص في إضافة الشكل البشري (الشكل البشري عادة لم تظهر في الملح البرتغالي). قد يرمز الشكل البشري إلى الأحياء أو الأموات ، وقد يشير إلى رؤساء أو راقصين أو مهن مختلفة مثل الطبال أو الصيادين ، أو حتى قد يكون تمثيلًا مجسمًا للإله أو له وظيفة نذرية أخرى. موضوع مشترك آخر هو التشكل البيني للإنسان والحيوان.
  • التجريد البصري: تميل الأعمال الفنية الأفريقية إلى تفضيل التجريد البصري على التمثيل الطبيعي. هذا لأن العديد من الأعمال الفنية الأفريقية تعمم المعايير الأسلوبية. [15]

ركزت دراسة الفن الأفريقي حتى وقت قريب على الفن التقليدي لبعض المجموعات المعروفة في القارة ، مع التركيز بشكل خاص على النحت التقليدي والأقنعة والثقافة البصرية الأخرى من غرب إفريقيا غير الإسلامية ووسط إفريقيا وجنوب إفريقيا مع تركيز خاص على القرنين التاسع عشر والعشرين. في الآونة الأخيرة ، ومع ذلك ، كانت هناك حركة بين مؤرخي الفن الأفارقة وغيرهم من العلماء لتضمين الثقافة المرئية للمناطق والفترات الزمنية الأخرى. الفكرة هي أنه من خلال تضمين جميع الثقافات الأفريقية وثقافتها البصرية بمرور الوقت في الفن الأفريقي، سيكون هناك فهم أكبر للجماليات البصرية للقارة عبر الزمن. أخيرًا ، بدأ أيضًا إدراج فنون شعوب الشتات الأفريقي ، في البرازيل ومنطقة البحر الكاريبي وجنوب شرق الولايات المتحدة ، في دراسة الفن الأفريقي.

يتخذ الفن الأفريقي العديد من الأشكال وهو مصنوع من العديد من المواد المختلفة. معظم الأعمال الفنية الأفريقية عبارة عن منحوتات خشبية ، ربما لأن الخشب مادة منتشرة للغاية. المجوهرات هي شكل فني شائع وتستخدم للإشارة إلى الرتبة أو الانتماء إلى مجموعة أو لمجرد الجماليات. [16] المجوهرات الأفريقية مصنوعة من مواد متنوعة مثل حجر عين النمر والهيماتيت والسيزال وقشرة جوز الهند والخرز وخشب الأبنوس. يمكن أن تكون المنحوتات خشبية أو خزفية أو منحوتة من الحجر مثل منحوتات شونا الشهيرة ، [17] كما أن الفخار المزخرف أو المنحوت يأتي من مناطق عديدة. تصنع أشكال مختلفة من المنسوجات بما في ذلك الشيتنج والقماش الطيني وقماش kente. الفسيفساء المصنوعة من أجنحة الفراشة أو الرمال الملونة شائعة في غرب إفريقيا. يمكن التعرف على المنحوتات الأفريقية المبكرة على أنها مصنوعة من الطين والبرونز. [18]

كانت الديانات الأفريقية التقليدية شديدة التأثير على أشكال الفن الأفريقي عبر القارة. غالبًا ما ينبع الفن الأفريقي من موضوعات الرمزية الدينية والوظيفية والنفعية ، ويتم إنشاء العديد من القطع الفنية لأغراض روحية وليست إبداعية بحتة. تؤكد العديد من الثقافات الأفريقية على أهمية الأسلاف كوسطاء بين الأحياء والآلهة والمبدع الأسمى ، ويُنظر إلى الفن على أنه وسيلة للتواصل مع أرواح الأجداد هذه. يمكن أيضًا استخدام الفن لتصوير الآلهة ، ويتم تقييمه لأغراض وظيفية. [ بحاجة لمصدر ] ومع ذلك ، من المهم أن نلاحظ أن وصول المسيحية والإسلام قد أثر أيضًا بشكل كبير على فن القارة الأفريقية ، وتم دمج تقاليد كلاهما في معتقدات وأعمال الدين الأفريقي التقليدي. [19]

تعود أصول الفن الأفريقي إلى ما قبل التاريخ المسجل بوقت طويل. صُنعت أقدم الخرزات المعروفة في المنطقة من نصاريوس قذائف وتلبس كزخارف شخصية منذ 72000 عام. [4] في أفريقيا ، يوجد دليل على صنع الدهانات من خلال عملية معقدة منذ حوالي 100000 عام [5] واستخدام الأصباغ قبل حوالي 320.000 سنة. [6] [20] الفن الصخري الأفريقي في الصحراء في النيجر يحافظ على نقوش عمرها 6000 عام. [21] إلى جانب أفريقيا جنوب الصحراء ، ساهمت الفنون الثقافية الغربية واللوحات والتحف المصرية القديمة والحرف الجنوبية الأصلية بشكل كبير في الفن الأفريقي. غالبًا ما كان الفن يصور وفرة الطبيعة المحيطة ، وكان غالبًا تفسيرات مجردة للحيوانات أو الحياة النباتية أو التصاميم والأشكال الطبيعية. كانت مملكة كوش النوبية في السودان الحديث على اتصال وثيق ومعادٍ في كثير من الأحيان مع مصر ، وأنتجت منحوتات ضخمة مشتقة في الغالب من الأساليب التي لم تؤد إلى الشمال. في غرب إفريقيا ، تعود أقدم المنحوتات المعروفة إلى ثقافة نوك التي ازدهرت بين 1500 قبل الميلاد و 500 بعد الميلاد في نيجيريا الحديثة ، مع أشكال من الطين عادةً بأجسام ممدودة وأشكال زاويّة. [22]

تم تطوير طرق أكثر تعقيدًا لإنتاج الفن في أفريقيا جنوب الصحراء الكبرى في القرن العاشر تقريبًا ، ومن أبرز التطورات الأعمال البرونزية لإيجبو أوكو وأعمال التراكوتا والأشغال المعدنية من إيل إيف البرونز والمسبوكات النحاسية ، وغالبًا ما تكون مزينة بالعاج والثمينة. أصبحت الحجارة مرموقة للغاية في معظم أنحاء غرب إفريقيا ، وفي بعض الأحيان اقتصرت على عمل حرفيي البلاط وتم التعرف عليها من الملوك ، كما هو الحال مع بنين البرونزي.

أثناء فترة الاستعمار في القرنين التاسع عشر والعشرين وبعدهما ، وصف الغربيون الفن الأفريقي لفترة طويلة بأنه "بدائي". المصطلح يحمل في طياته دلالات سلبية للتخلف والفقر. أنشأ الاستعمار خلال القرن التاسع عشر فهمًا غربيًا يعتمد على الاعتقاد بأن الفن الأفريقي يفتقر إلى القدرة التقنية بسبب وضعه الاجتماعي والاقتصادي المنخفض.

في بداية القرن العشرين ، نشر مؤرخو الفن مثل كارل أينشتاين وميشاي سوبيسكي وليو فروبينيوس أعمالًا مهمة حول الموضوع ، مما أعطى الفن الأفريقي مكانة الكائن الجمالي ، وليس الشيء الإثنوغرافي فقط. [23] في الوقت نفسه ، أصبح فنانون مثل بول غوغان ، وبابلو بيكاسو ، وجورج براك ، وأندريه ديرين ، وهنري ماتيس ، وجوزيف كساكي ، وأميديو موديلياني على دراية بالفن الأفريقي ، من بين أشكال فنية أخرى ، واستلهموا منها. [9] في حالة كانت فيها الطليعة الراسخة توتر ضد القيود المفروضة من خلال خدمة عالم المظاهر ، أظهر الفن الأفريقي قوة الأشكال فائقة التنظيم التي تم إنتاجها ليس فقط من خلال الاستجابة لملكة البصر ، ولكن أيضًا و غالبًا في المقام الأول ، ملكة الخيال والعاطفة والتجربة الصوفية والدينية. رأى هؤلاء الفنانون في الفن الأفريقي كمالًا رسميًا وتطورًا متحدًا مع قوة تعبيرية هائلة. سهلت دراسة الفن الأفريقي والاستجابة له ، من قبل الفنانين في بداية القرن العشرين ، انفجار الاهتمام بالتجريد ، وتنظيم وإعادة تنظيم الأشكال ، واستكشاف المجالات العاطفية والنفسية التي لم تكن موجودة حتى الآن في الفن الغربي. بهذه الوسائل ، تم تغيير حالة الفن المرئي. لم يعد الفن مجرد جمالي في المقام الأول ، ولكنه أصبح أيضًا وسيطًا حقيقيًا للخطاب الفلسفي والفكري ، وبالتالي أصبح جماليًا حقيقيًا وعميقًا أكثر من أي وقت مضى. [24]

يصف الفن التقليدي أكثر أشكال الفن الأفريقي شهرة ودراسة والتي توجد عادة في مجموعات المتحف.

تعتبر الأقنعة الخشبية ، التي قد تكون من مخلوقات بشرية أو حيوانية أو أسطورية ، واحدة من أكثر أشكال الفن شيوعًا في غرب إفريقيا. في سياقاتها الأصلية ، تُستخدم الأقنعة الاحتفالية للاحتفالات ، والمبادرات ، وحصاد المحاصيل ، والإعداد للحرب. يتم ارتداء الأقنعة من قبل راقص مختار أو مبتدئ. خلال حفل القناع ، يدخل الراقص في نشوة عميقة ، وخلال هذه الحالة الذهنية "يتواصل" مع أسلافه. يمكن ارتداء الأقنعة بثلاث طرق مختلفة: تغطية الوجه عموديًا: كخوذات ، وتغليف الرأس بالكامل ، وكقمة على الرأس ، والتي غالبًا ما تكون مغطاة بمواد كجزء من التنكر. غالبًا ما تمثل الأقنعة الأفريقية روحًا ويعتقد بقوة أن روح الأجداد تمتلك من يرتديها. تصنع معظم الأقنعة الأفريقية من الخشب ، ويمكن تزيينها بما يلي: العاج ، وشعر الحيوانات ، والألياف النباتية (مثل الرافيا) ، والأصباغ (مثل الكاولين) ، والأحجار ، والأحجار الكريمة أيضًا مدرجة في الأقنعة.

غالبًا ما تكون التماثيل المصنوعة من الخشب أو العاج مرصعة بقشور ودبابيس معدنية ومسامير. الملابس الزخرفية شائعة أيضًا وتضم جزءًا كبيرًا آخر من الفن الأفريقي. من بين أكثر المنسوجات الأفريقية تعقيدًا ، قماش كينتي الغاني الملون المنسوج على شكل شريط. قماش الطين المنقوش بجرأة هو تقنية أخرى معروفة.

تعد إفريقيا موطنًا لثقافة الفنون الجميلة المزدهرة في الفن المعاصر. لم يتم دراسة هذا الأمر حتى وقت قريب ، بسبب تركيز العلماء وجامعي الأعمال الفنية على الفن التقليدي. ومن أبرز الفنانين المعاصرين: El Anatsui و Marlene Dumas و William Kentridge و Karel Nel و Kendell Geers و Yinka Shonibare و Zerihun Yetmgeta و Odhiambo Siangla و Elias Jengo و Olu Oguibe و Lubaina Himid و Bili Bidjocka و Henry Tayali. تقام بينالي الفن في داكار ، السنغال ، وجوهانسبرغ ، جنوب إفريقيا. يتم تمثيل العديد من الفنانين الأفارقة المعاصرين في مجموعات المتاحف ، وقد يتم بيع أعمالهم الفنية بأسعار عالية في المزادات الفنية. على الرغم من ذلك ، يميل العديد من الفنانين الأفارقة المعاصرين إلى صعوبة إيجاد سوق لعملهم. تقترض العديد من الفنون الأفريقية المعاصرة بشكل كبير من أسلافها التقليديين. ومن المفارقات أن الغربيين ينظرون إلى هذا التركيز على التجريد على أنه تقليد للفنانين الأوروبيين والأمريكيين التكعيبيين والطواميين ، مثل بابلو بيكاسو وأميديو موديلياني وهنري ماتيس ، الذين تأثروا بشدة في أوائل القرن العشرين بالفن الأفريقي التقليدي. كانت هذه الفترة حاسمة لتطور الحداثة الغربية في الفنون البصرية ، والتي ترمز إليها لوحة بيكاسو الرائعة Les Demoiselles d'Avignon. [25]

يعتبر فتحي حسن اليوم ممثلًا رئيسيًا مبكرًا للفن الأفريقي الأسود المعاصر. كان الفن الأفريقي المعاصر رائدًا في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي في جنوب إفريقيا من قبل فنانين مثل إيرما ستيرن وسيريل فرادان ووالتر باتيس ومن خلال صالات العرض مثل معرض غودمان في جوهانسبرج. في الآونة الأخيرة ، ساعدت المعارض الأوروبية مثل معرض أكتوبر في لندن وهواة جمع التحف مثل Jean Pigozzi ، [26] Artur Walther [27] و Gianni Baiocchi في روما على زيادة الاهتمام بالموضوع. العديد من المعارض في متحف الفن الأفريقي في نيويورك والجناح الأفريقي في بينالي البندقية 2007 ، والتي عرضت Sindika Dokolo African

مجموعة الفن المعاصر ، قطعت شوطًا طويلاً في مواجهة العديد من الأساطير والتحيزات التي تطارد الفن الأفريقي المعاصر. أدى تعيين النيجيري أوكوي إنويزور كمدير فني لـ Documenta 11 ورؤيته للفن المتمحورة حول إفريقيا إلى دفع مسيرة عدد لا يحصى من الفنانين الأفارقة إلى الساحة الدولية.

يتم عرض مجموعة واسعة من الأشكال الفنية التقليدية إلى حد ما ، أو التعديلات من النمط التقليدي إلى الذوق المعاصر للبيع للسياح وغيرهم ، بما في ذلك ما يسمى "فن المطار". عدد من التقاليد الشعبية القوية تستوعب التأثيرات الغربية في الأنماط الأفريقية مثل التوابيت الخيالية المتقنة في جنوب غانا ، المصنوعة في مجموعة متنوعة من الأشكال المختلفة التي تمثل مهن أو مصالح المتوفين أو ترفع من مكانتهم. يعتقد الجا أن الجنازة المتقنة ستفيد وضع أحبائهم في الحياة الآخرة ، لذلك غالبًا ما لا تدخر العائلات أي نفقات عند تحديد التابوت الذي تريده لأقاربهم. [28] يمكن أن تأخذ هذه التوابيت أشكال السيارات ، أو كبسولات الكاكاو ، أو الدجاج ، أو أي شكل آخر قد تقرر الأسرة أنه يمثل أحباءها المتوفى بشكل أفضل. [29]

فن البوب ​​والفن الإعلاني تحرير

أصبح الفن المستخدم للإعلان عن الشركات المحلية ، بما في ذلك صالونات الحلاقة ودور السينما ومتاجر الأجهزة ، مشهورًا دوليًا في صالات العرض وأطلق العديد من الفنانين الأفارقة المعاصرين ، من جوزيف بيرتيير من كينيا إلى العديد من رسامي ملصقات الأفلام في غانا. [30] تم عرض ملصقات الأفلام الغانية المرسومة يدويًا على القماش وأكياس الطحين من ثمانينيات وتسعينيات القرن الماضي في متاحف في جميع أنحاء العالم وأثارت اهتمامًا واسع الانتشار على وسائل التواصل الاجتماعي نظرًا لتصوراتها المبتكرة والمنمقة للأفلام الغربية. [31] [32] هذا التفسير الإبداعي للثقافة الغربية من خلال أنماط الفن الأفريقي معروض أيضًا مع تقليد صور المديح التي تصور المشاهير العالميين ، والتي غالبًا ما كانت بمثابة فن إعلان لواجهة المحلات التجارية ، ومنذ ذلك الحين أصبحت تحظى بالتقدير على نطاق واسع وتم جمعها في الفن العالمي سوق.

تحرير الفن الأفريقي الحد الأدنى

فنان أفريقي معاصر بارز آخر هو أمير نور ، وهو فنان سوداني مقيم حاليًا في شيكاغو. في الستينيات ابتكر تمثالًا معدنيًا يسمى الرعي في شندي (1969) التي تتكون من أشكال هندسية تتصل بذكراه عن وطنه. [33] التمثال يشبه رعي الأغنام عن بعد. وقد قدر اكتشاف الفن داخل مجتمع الفنان ، بما في ذلك الثقافة والتقاليد والخلفية. [34]

تحرير غرب أفريقيا

تحرير غانا

تشتهر غانا بإبداع أشهر التعابير والتعبيرات الأفريقية الحسنة النية ، وتتنوع هذه الأشكال من المنحوتات الخشبية والأعمال النحاسية والأشكال والأحجار الكريمة وأنواع مختلفة من المواد. لا تزال غانا تتمتع بسمعة سيئة كدولة لديها مخزون لا نهاية له من المعادن ، مثل الذهب والماس والفضة والبرونز ، وما إلى ذلك ، تقدم غانا الكثير من المساعدة للحرفيين في ابتكار وتصميم المجوهرات ، سواء كانت معاصرة أو تقليدية.

Kente هي قماش مبطن تقليدي متعدد الألوان ومنسوج يدويًا. إنه أيضًا نوع من نسيج الحرير والقطن المصنوع من شرائط القماش المتشابكة. يعتبر القماش أمرًا أساسيًا للثقافة الغانية ، كما أنه يستخدم تقليديًا لارتدائه كالتفاف حول كل من الرجال والنساء مع اختلافات مختلفة قليلاً لكليهما. يرتدي هذا النسيج تقريبًا كل فرد من أفراد القبيلة الغانية.

هناك اختلافات لونية مختلفة لـ kente ، كل لون له معاني مختلفة. وهنا بعض الأمثلة:

نشأ فن أكان بين شعب أكان. يشتهر فن أكان بالتقاليد الفنية النابضة بالحياة ، بما في ذلك المنسوجات والمنحوتات وأوزان أكان الذهبية ، فضلاً عن المجوهرات الذهبية والفضية. يُعرف شعب أكان بعلاقته القوية بين التعبيرات المرئية واللفظية والمزج المميز للفن والفلسفة. تقدر ثقافة أكان الذهب فوق كل المعادن الأخرى ، وتعتقد أنه يمكن أن تصور العناصر الخارقة للطبيعة وراء العديد من الأشياء ، بما في ذلك السلطة الملكية والقيم الثقافية. تعود أصول Asante ، وهي ثقافة سائدة ناطقة باللغة Akan في غانا ، إلى وصول كرسي ذهبي ، والذي يُقال الآن إنه يحمل روح أمة Asante بداخله. كان الذهب يعتبر نظيرًا أرضيًا للشمس وغالبًا ما كان يُستخدم في الفن لإظهار أهمية الملك ، مما يجعله تمثيلًا أساسيًا لقيمهم الثقافية والاجتماعية. [35] قماش كينتي هو تقليد فني آخر مهم للغاية لثقافة أكان. تنص التقاليد على أن قماش Kente نشأ عندما حاول النساجون نسخ قدرات النسيج لدى العناكب بشبكاتهم. تشتهر قماش Kente بألوانها وأنماطها. كان هدفه الأصلي هو تصوير السلطة والسلطة الملكية ، لكنه أصبح الآن رمزًا للتقاليد وتبنته عدة ثقافات أخرى. [36]

رأس كأس أشانتي حوالي عام 1870 مجموعة والاس من الذهب الخالص (لندن). يمثل هذا العمل الفني قائدًا للعدو قُتل في معركة. Weighing 1.5 kg (3.3 lb), it was attached to the Asante king's state sword

Soul washer badge (Akrafokonmu) 18th-19th century gold Metropolitan Museum of Art (New York City)

Calabash adinkra stamps carved in Ntonso (Ghana)

Nigeria Edit

Nigerian culture is illustrated through art and folklore. Nigeria draws its inspiration for their art from traditional folk heritage of the region. There are different types of artwork from the Nigerian culture. Some of these works of art can be stone carvings, potteries, glass work, wood carvings and bronze works. Benin and Awka are considered to be the central places for wood carving. Woodcarvers have been thriving throughout the south of Nigeria from time immemorial.

Examples of Nigerian Traditional Art

Masks are a piece of the animist confidence of the Yoruba individuals. The veils are painted, and fans wear them at memorial services and different functions to mollify the spirits.

Pottery has a long custom in Nigeria. Pottery was well known from 100 B.C. These days Suleja, Abuja and Ilorin are viewed as significant figures of customary ceramics. Potters in Nigeria are frequently female, and usually practice for the methods to be passed on through families.

Yorubas utilize a bush to make indigo-shaded batik-colored fabric. Ladies generally do the withering, while in the north, the specialty is drilled only by men. Weavers everywhere throughout the nation produce a splendid texture with ribbon structures. Oyo state is known for its fine loom materials while fabric from Abia state utilizes a broadloom strategy.

The Nok culture is an early Iron Age population whose material remains are named after the Ham village of Nok in Kaduna State of Nigeria, where their famous terracotta sculptures were first discovered in 1928. The Nok Culture appeared in northern Nigeria around 1500 BC [22] and vanished under unknown circumstances around 500 AD, thus having lasted approximately 2,000 years. [37]

The function of Nok terracotta sculptures remains unknown. For the most part, the terracotta is preserved in the form of scattered fragments. That is why Nok art is best known today only for the heads, both male and female, whose hairstyles are particularly detailed and refined. The statues are in fragments because the discoveries are usually made from alluvial mud, in terrain made by the erosion of water. The terracotta statues found there are hidden, rolled, polished, and broken. Rarely are works of great size conserved intact making them highly valued on the international art market. The terracotta figures are hollow, coil built, nearly life-sized human heads and bodies that are depicted with highly stylized features, abundant jewelry, and varied postures.

Little is known of the original function of the pieces, but theories include ancestor portrayal, grave markers, and charms to prevent crop failure, infertility, and illness. Also, based on the dome-shaped bases found on several figures, they could have been used as finials for the roofs of ancient structures. Margaret Young-Sanchez, Associate Curator of Art of the Americas, Africa, and Oceania in The Cleveland Museum of Art, explains that most Nok ceramics were shaped by hand from coarse-grained clay and subtractively sculpted in a manner that suggests an influence from wood carving. After some drying, the sculptures were covered with slip and burnished to produce a smooth, glossy surface. The figures are hollow, with several openings to facilitate thorough drying and firing. The firing process most likely resembled that used today in Nigeria, in which the pieces are covered with grass, twigs, and leaves and burned for several hours.

As a result of natural erosion and deposition, Nok terracottas were scattered at various depths throughout the Sahel grasslands, causing difficulty in the dating and classification of the mysterious artifacts. Two archaeological sites, Samun Dukiya and Taruga, were found containing Nok art that had remained unmoved. Radiocarbon and thermo-luminescence tests narrowed the sculptures’ age down to between 2,000 and 2,500 years ago, making them some of the oldest in Western Africa. Many further dates were retrieved in the course of new archaeological excavations, extending the beginnings of the Nok tradition even further back in time. [38]

Because of the similarities between the two sites, archaeologist Graham Connah believes that "Nok artwork represents a style that was adopted by a range of iron-using farming societies of varying cultures, rather than being the diagnostic feature of a particular human group as has often been claimed."

Nok seated figure 5th century BC – 5th century AD terracotta 38 cm (1 ft. 3 in.) Musée du quai Branly (Paris). In this Nok work, the head is dramatically larger than the body supporting it, yet the figure possesses elegant details and a powerful focus. The neat protrusion from the chin represents a beard. Necklaces from a cone around the neck and keep the focus on the face.

Relief fragment with heads and figures 5th century BC – 5th century AD length: 50 cm (19.6 in.), height: 54 cm (21.2 in.), width: 50 cm (19.6 in.) terracotta Musée du quai Branly. As most African art styles, the Nok style focuses mainly on people, rarely on animals. All of the Nok statues are very stylized and similar in that they have this triangular shape eye with a perforated pupil, with arched eyebrows.

Male head 550–50 BC terracotta Brooklyn Museum (New York City, USA). The mouth of this head is slightly open. It maybe suggests speech, that the figure has something to tell us. This is a figure that seems to be in the midst of a conversation. The eyes and the eyebrows suggest an inner calm or an inner serenity.

Benin art Edit

Benin art is the art from the Kingdom of Benin or Edo Empire (1440–1897), a pre-colonial African state located in what is now known as the South-South region of Nigeria. The Benin Bronzes are a group of more than a thousand metal plaques and sculptures that decorated the royal palace of the Kingdom of Benin in what is now modern-day Nigeria. [a] Collectively, the objects form the best-known examples of Benin art, created from the thirteenth century onwards, by the Edo people, which also included other sculptures in brass or bronze, including some famous portrait heads and smaller pieces.

In 1897 most of the plaques and other objects in the collection were taken by a British force during the Benin Expedition of 1897, which took place as British control in Southern Nigeria was being consolidated. [41] Two hundred of the pieces were taken to the British Museum, while the rest were purchased by other museums in Europe. [42] Today, a large number are held by the British Museum, [41] as well as by other notable collections in German and American museums. [43]

Bronze Head of Queen Idia early 16th century bronze Ethnological Museum of Berlin (Germany). Four cast bronze heads of the queen are known and are currently in the collections of the British Museum, the World Museum (Liverpool), the Nigerian National Museum (Lagos) and the Ethnological Museum of Berlin

Leopard aquamanile 17th century brass Ethnological Museum of Berlin. The bronze leopards were used to decorate the altar of the oba. The leopard, a symbol of power, appears in many bronze plaques, from the oba's palace

Benin ivory mask of the Queen Mother Idia 16th century ivory, iron & copper Metropolitan Museum of Art. One of four related ivory pendant masks among the prized regalia of the Oba of Benin taken during the Benin Expedition of 1897 in the Southern Nigeria Protectorate

Igbo Edit

The Igbo produce a wide variety of art including traditional figures, masks, artifacts and textiles, plus works in metals such as bronze. Artworks form the Igbo have been found from as early as the 9th century with the bronze artifacts found at Igbo Ukwu. Their masks are similar with the Fang ones, being white and black in about same parts.

Maiden spirit mask early 20th century wood & pigment Brooklyn Museum (New York City, USA)

A mask known as the Queen of Women (Eze Nwanyi) late 19th-early 20th century wood & pigment Birmingham Museum of Art (Alabama, USA)

Bronze ceremonial vessel in form of a snail shell 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum (Lagos, Nigeria)

Bronze ornamental staff head 9th century Igbo-Ukwu Nigerian National Museum

Female figure for a small temple 20th century Indianapolis Museum of Art

Igbo wooden complex, currently in the British Museum

Garment 1950-1975 cotton Indianapolis Museum of Art

Yoruba Edit

Yoruba art is best known for the heads from Ife, made of ceramic, brass and other materials. Much of their art is associated with the royal courts. They also produced elaborate masks and doors, full of details and painted in bright colors, such as blue, yellow, red and white.

Head of a king or dignitary 12th–15th century AD terracotta Ethnological Museum of Berlin (Germany) discovered at Ife (Nigeria)

Mask for Obalufon II circa 1300 AD copper height: 29.2 cm discovered at Ife Ife Museum of Antiquities (Ife, Nigeria) [44]

Mask with 7 birds 19th-20th century Detroit Institute of Arts (USA)

Mask with superstructure and two birds 19th–20th century Detroit Institute of Arts

Headgear circa 1900-1915 Detroit Institute of Arts

Pair of door panels and a lintel circa 1910–1914 by Olowe of Ise (British Museum, London)

Carnival mask circa 1950 Indianapolis Museum of Art (USA)

Other ethnic groups of Nigeria Edit

Carved door circa 1920-1940 wood with iron staples by Nupe people Hood Museum of Art (Hanover, New Hampshire, USA)

Headdress early 1900s wood, antelope skin, basketry, cane, metal by Ejagham people Cleveland Museum of Art (USA)

Headdress early 1900s wood, hair Idoma people Cleveland Museum of Art

Otobo (hippopotamus) mask by Kalabari people British Museum (London)

Mali Edit

The primary ethnic groups in Mali are the Bambara (also known as Bamana) and the Dogon. Smaller ethnic groups consist of the Marka, and the Bozo fisherman of the Niger River. Ancient civilizations flourished in areas like Djene and Timbuktu, where a great variety of ancient bronze and terra-cotta figures have been unearthed.

Djenné-Djenno Edit

Djenné-Djenno is famous for its figurines which depict humans and animals including snakes and horses. They are made of terracotta, a material that has been used in West Africa for some ten thousand years.

Female figure 13th-–15th century terracotta covered with red ochre height: 37.5 cm (14.7 in.), width: 31 cm (12.2 in.), depth: 24 cm (9.4 in.) Musée du quai Branly (Paris)

Equestrian figure 13th–15th century height: 70.5 cm National Museum of African Art (Washington D.C., USA)

Male figure 14th-17th century Cleveland Museum of Art (Ohio, USA)

Bambara Edit

The Bambara people (Bambara: Bamanankaw) adapted many artistic traditions and began to create display pieces. Before money was the main drive of creation of their artworks they used their abilities solely as a sacred craft for display of spiritual pride, religious beliefs and display of customs. Example artworks include the Bamana n'tomo mask. Other statues were created for people such as hunters and farmers so others could leave offerings after long farming seasons or group hunts. The stylistic variations in Bambara art are extreme sculptures, masks and headdresses display either stylized or realistic features, and either weathered or encrusted patinas. Until quite recently, the function of Bambara pieces was shrouded in mystery, but in the last twenty years, field studies have revealed that certain types of figures and headdresses were associated with a number of the societies that structure Bambara life. During the 1970s a group of approximately twenty figures, masks and TjiWara headdresses belonging to the so-called 'Segou style' were identified. The style is distinct and recognizable by its typical flat faces, arrow-shaped noses, all-over body triangular scarifications and, on the figures, splayed hands.

There are three major and one minor type of Bambara mask. The first type, used by the N'tomo society, has a typical comb-like structure above the face, is worn during dances and may be covered with cowrie shells. The second type of mask, associated with the Komo society, has a spherical head with two antelope horns on the top and an enlarged, flattened mouth. They are used during dances, but some have a thickly encrusted patina acquired during other ceremonies in which libations are poured over them.

The third type has connections with the Nama society and is carved in the form of an articulated bird's head, while the fourth, minor type, represents a stylized animal head and is used by the Kore society. Other Bambara masks are known to exist, but unlike those described above, they cannot be linked to specific societies or ceremonies. Bambara carvers have established a reputation for the zoomorphic headdresses worn by Tji-Wara society members. Although they are all different, they all display a highly abstract body, often incorporating a zig-zag motif, which represents the sun's course from east to west, and a head with two large horns. Bambara members of the Tji-Wara society wear the headdress while dancing in their fields at sowing time, hoping to increase the crop yield.

Bambara statuettes are primarily used during the annual ceremonies of the Guan society. During these ceremonies, a group of up to seven figures, measuring from 80 to 130 cm in height, are removed from their sanctuaries by the elder members of the society. The sculptures are washed, re-oiled and sacrifices are offered to them at their shrines. These figures – some of which date from between the 14th and 16th centuries – usually display a typical crested coiffure, often adorned with a talisman.

Two of these figures were ascribed great significance: a seated or standing maternity figure called Guandousou – known in the West as 'Bambara Queen' – and a male figure called Guantigui, who usually appears holding a knife. The two figures were surrounded by Guannyeni attendant figures standing or seated in various positions, holding a vessel, or a musical instrument, or their breasts. During the 1970s, numerous fakes from Bamako which were based on these sculptures entered the market. They were produced in Bamako.

Other Bambara figures, called Dyonyeni, are thought to be associated with either the southern Dyo society or the Kwore society. These female or hermaphrodite figures usually appear with geometric features such as large conical breasts and measure between 40 and 85 cm in height. The blacksmith members of the Dyo society used them during dances to celebrate the end of their initiation ceremonies. They were handled, held by dancers and placed in the middle of the ceremonial circle.

Among the corpus of Bambara figures, Boh sculptures are perhaps the best known. These statues represent a highly stylized animal or human figure, and are made of wood which is repeatedly covered in thick layers of earth impregnated with sacrificial materials such as millet, chicken or goat blood, kola nuts and alcoholic drinks. They were employed by the Kono and the Komo societies and served as receptacles for spiritual forces, and could, in turn, be used for apotropaic purposes.

Each special creative trait a person obtained was seen as a different way to please higher spirits.

Dogon Edit

Dogon art consists primarily of sculptures. Their art revolves around Dogon religious values, ideals, and freedoms (Laude, 19). Dogon sculptures are not made to be seen publicly, and are commonly hidden from the public eye within the houses of families, sanctuaries, or kept with the Hogon (Laude, 20). The importance of secrecy is due to the symbolic meaning behind the pieces and the process by which they are made.

Themes found throughout Dogon sculpture consist of figures with raised arms, superimposed bearded figures, horsemen, stools with caryatids, women with children, figures covering their faces, women grinding pearl millet, women bearing vessels on their heads, donkeys bearing cups, musicians, dogs, quadruped-shaped troughs or benches, figures bending from the waist, mirror-images, aproned figures, and standing figures (Laude, 46–52). Signs of other contacts and origins are evident in Dogon art. The Dogon people were not the first inhabitants of the cliffs of Bandiagara. Influence from Tellem art is evident in Dogon art because of its rectilinear designs (Laude, 24).

Dogon art is extremely versatile, although common stylistic characteristics – such as a tendency towards stylization – are apparent on the statues. Their art deals with the myths whose complex ensemble regulates the life of the individual. The sculptures are preserved in innumerable sites of worship, personal or family altars, altars for rain, altars to protect hunters, in market. As a general characterization of Dogon statues, one could say that they render the human body in a simplified way, reducing it to its essentials. Some are extremely elongated with emphasis on geometric forms. The subjective impression is one of immobility with a mysterious sense of a solemn gravity and serene majesty, although conveying at the same time a latent movement. Dogon sculpture recreates the hermaphroditic silhouettes of the Tellem, featuring raised arms and a thick patina made of blood and millet beer. The four Nommo couples, the mythical ancestors born of the god Amma, ornament stools, pillars or men's meeting houses, door locks, and granary doors. The primordial couple is represented sitting on a stool, the base of which depicts the earth while the upper surface represents the sky the two are interconnected by the Nommo. The seated female figures, their hands on their abdomen, are linked to the fertility cult, incarnating the first ancestor who died in childbirth, and are the object of offerings of food and sacrifices by women who are expecting a child.

Kneeling statues of protective spirits are placed at the head of the dead to absorb their spiritual strength and to be their intermediaries with the world of the dead, into which they accompany the deceased before once again being placed on the shrines of the ancestors. Horsemen are reminders of the fact that, according to myth, the horse was the first animal present on earth. The Dogon style has evolved into a kind of cubism: ovoid head, squared shoulders, tapered extremities, pointed breasts, forearms, and thighs on a parallel plane, hairdos stylized by three or four incised lines. Dogon sculptures serve as a physical medium in initiations and as an explanation of the world. They serve to transmit an understanding to the initiated, who will decipher the statue according to the level of their knowledge. Carved animal figures, such as dogs and ostriches, are placed on village foundation altars to commemorate sacrificed animals, while granary doors, stools and house posts are also adorned with figures and symbols.

There are nearly eighty styles of masks, but their basic characteristic is great boldness in the use of geometric shapes, independent of the various animals they are supposed to represent. The structure of a large number of masks is based on the interplay of vertical and horizontal lines and shapes. Another large group has triangular, conic shapes. All masks have large geometric eyes and stylized features. The masks are often polychrome, but on many the color is lost after the ceremonies they were left on the ground and quickly deteriorated because of termites and other conditions. The Dogon continue an ancient masquerading tradition, which commemorates the origin of death. According to their myths, death came into the world as a result of primeval man's transgressions against the divine order. Dama memorial ceremonies are held to accompany the dead into the ancestral realm and restore order to the universe. The performance of masqueraders – sometimes as many as 400 – at these ceremonies is considered absolutely necessary. In the case of the dama, the timing, types of masks involved, and other ritual elements are often specific to one or two villages and may not resemble those seen in locations only several kilometres distant. The masks also appear during baga-bundo rites performed by small numbers of masqueraders before the burial of a male Dogon. Dogon masks evoke the form of animals associated with their mythology, yet their significance is only understood by the highest ranking cult members whose role is to explain the meaning of each mask to a captivated audience.


13 Tips To Understand Revit Base Points And Coordinate System

Revit coordinate system is very confusing. Even after 7 years of Revit experience, I still needed hours of research, investigation and experiments to build this guide.

This post covers a lot of ground. You will learn about the mysterious, super secret Revit Internal Origin. You will learn the difference between a Survey Point and a Project Base Point. You will learn how to properly use the True North and the Project North. Good luck.

Edit: we’ve just added a complete video tutorial on this topic! Check it out:

Edit #2: Are you using Revit 2020.2 or a more recent version? There has been a few changes to coordinates. Read our post about the update.

1- UNDERSTAND THE DIFFERENCE BETWEEN ALL 3 COORDINATE ORIGIN POINTS

There are 3 different origin points in a Revit project: the Project Base Point, the Survey Point and the secret Internal Origin.

PROJECT BASE POINT: This point is used almost exclusively for internal purpose. It is used to place dimensions relatively to the building. It is represented by a blue circle with a cross in the middle. It can also be used to set the angle difference between the True North and the Project North.

SURVEY POINT: This is used to create a "shared coordinates" system among multiple linked Revit or CAD files. That means it's location is most useful when exporting and importing files. It is usually placed relatively to the Site.

INTERNAL ORIGIN: This is the tricky one. This point is invisible and cannot be moved. Most users don't even know it exists. By default, importing or exporting a CAD or Revit file will be made relatively to this super secret point, therefore confusing many people.

2- LOCATE THE INTERNAL ORIGIN

Now that you are aware of this super secret internal origin, you should locate it in a plan view using reference planes. Actually, you should locate it in your Revit Template so you will be able to track it's location for all new projects.

To locate the point, go to your site plan and make sure the Project Base Point is set to visible in the Visibility/Graphics settings.

The next step is to select the project base point and click on the clip icon. A red dash should appear on the icon. The next step is to right-click on the project base point and select "Move to Startup Location"

The project base point should now be located at the exact same spot as the Internal Origin. Mark this spot in the project by creating two reference planes that intersect at the point. You should also add a text note to indicate the location to other users.

The 3 origin points not only have X/Y coordinates, but also a Z-axis elevation. Therefore, you should open an elevation view and unhide the Project Base Point and Survey Point. Create a third reference plane to indicate the height location of the Internal Origin.

3- BY DEFAULT, SET THE 3 ORIGINS AT THE SAME SPOT

In most project, the Project Base Point, the Survey Point and the Internal Origin can all remain in the same spot without any problem. In your template, make sure they all fit together in a corner of your building, at the intersection of grids A and 1.

While the default stance is to keep these points together, the next tips will teach you in which case they should be moved.

4- TOPOSURFACE IS RELATIVE TO INTERNAL ORIGIN

The 3 origins points each can have a different elevation value. When creating a toposurface, you have to set values refering to Absolute Elevation. This value is relative to the Internal Origin.

5- SET LEVELS RELATIVE TO PROJECT BASE POINT

In most projects, it is a smart move to set the project first level at 100'-0'' or 10 000mm. This is an arbitrary value that has no relation to the sea level. The best practice is to set this value in relation to the Project Base Point. Select a level, click on Edit Type and make sure that the Elevation Base is set to Project Base Point.

6- USE THE INTERNAL ORIGIN AS SEA LEVEL = 0

In a project where you want to spot elements in relation to the sea level, you should use the Internal Origin to represent sea level 0.

In this example, the 10 000mm project level fits the 4 835mm sea level. That means we have to move the Project Base Point so it is 5 165mm below the Internal Origin base elevation.

If you want to spot any element in your project in relation to the sea level, create a new Spot Elevation tag that use Relative as the Elevation Origin.

Placing the Project Base Point relatively to the Internal Origin should be your first move when starting a project. Else, you won't be able to model the site using the sea level elevation values.

In a project where the site and project are already modeled without using the sea elevation, the solution is to use the Survey Point as the sea level origin. If you want to model the toposurface with sea level elevation, your best bet is to use a linked site model.

7- CREATE A SPOT COORDINATE FOR EACH ORIGIN

The Spot Coordinate tool is used to specify coordinate relatively to one of the 3 origin. You can find this tool in the Annotate tab.

In your template, it is a smart move to create a Spot Coordinate for each of the 3 origin type. Edit the type of the spot coordinate and use the duplicate tool. Scroll down the settings options and you will see the Coordinate Origin parameter. Create a different tag for all 3 origins (Survey, Project Base and Internal). Relative refers to the Internal Origin of the project.

Once you are done, you should have 3 different Spot Coordinate types like in this image.

As you can see in the image below, each spot coordinate are used to spot the same element. However, they indicate different data since they each refer to a different origin. These tags can be useful when you are confused about the location of the origin or of a specific element.

Do you like this blog post? Make sure to check out our popular BASICS 2021 learning package. Use code 2021 to get 25% off.

8- UNCLIP PROJECT BASE POINT BEFORE MOVING IT

If you want your project base point to be in a different spot than the internal origin, you have to move it. However, if you try to move it, everything in the project will also move except the survey point.

To avoid this issue, unclip the project base point first. Move it to the proper emplacement, then clip it again. As you see, the coordinates will be changed: the N/S and E/W coordinates are always relative to the Survey Point.

9- NEVER UNCLIP THE SURVEY POINT

While unclipping the project base point is the standard procedure before moving it, you should never unclip the Survey Point. If you unclip and move the Survey Point, you will cause a lot of pain, horror and confusion for people working in your model.

The only thing that moving an unclipped survey point will do is to move the icon representation of the survey point, not the survey point itself. There is absolutey no reason to ever make such a move.

If you click a survey point and you see something else than 0,0,0 coordinates, that means someone messed up and decided to move an unclipped survey point. Simply change the values back to 0,0,0.

*Edit: Turns out some people like to move an unclipped survey point. Steve Stafford explains in which case that might be useful in this post on his Revit OpEd blog. For the sake of simplicity, I would still recommend never unclipping the Survey Point, unless you have a really good reason.

10- USE PROJECT BASE POINT TO SET THE TRUE NORTH

Each project contains a Project North and a True North. The Project North is a virtual orientation used to model your project so it is orthogonal to your screen. The True North is a real-world north used to properly locate the orientation of your building. To set a True North value, select the Project Base Point and enter the angle.

In the view properties of each view, you can specify the orientation you want to use. In almost all cases, Project North will be used.

Revit weirdness alert: although the True North value is set in the Project Base Point, the value is actually embedded in the Survey Point. Even weirder: you can have multiple Survey Points in a project. That means you can have many multiple True North value in a single project. Strange, huh?

11- SET THE CAD EXPORT COORDINATE SETTINGS

Most users are confused about the project origin when exporting to CAD. The reason is that the Internal Origin is used by default. You can access the exportation options by going to File/Export/CAD Format and by clicking the 3 small dots next to the Select Export Setup menu. Go to the Units & Coordinates tab.

If you export a Revit view to DWG, the default setting is Project internal. That setting will use the Internal Origin as the 0,0,0 point location in AutoCAD.

The other option is called Shared. This will use the Survey Point as the 0,0,0 point in AutoCAD.

Watch out: If you are using the Shared setting and you entered an angle value for the True North, the project will appear rotated once opened in AutoCAD. To avoid this issue, export the sheet where the view is placed instead of exporting the view.

12- USE LINK CAD TO SET THE SURVEY POINT AS THE ORIGIN

The Link CAD tool has more positioning options available than Import CAD. If you want to use the Survey Point as the origin for the CAD file, you have to use Link CAD and select By Shared Coordinates. Else, the Origin to Origin option will match the Revit file Internal Origin to the DWG 0,0,0 point.

13- USE ORIGIN TO ORIGIN WHEN LINKING REVIT FILE

Revit offers a fancy "Shared Site" and "Shared Coordinates" system to link Revit files. but the truth is that you don't need to use these feature in 90% of projects. ال Origin to Origin tool works perfectly fine. This option will match the models Internal Origins.

When linking a model, it is a wise move to PIN it immediately. If it moves around by mistake, right-click the model and use the "Reposition to Internal Origin" tool.

There is a few cases where you might want to use the Shared Coordinates system when linking Revit models. Check out the pamphlet below to learn more.

WANT MORE TIPS? DOWNLOAD THE FREE PAMPHLET.

There is even more weirdness to learn about coordinates. Want to know how to create a shared site? How to create multiple survey points and true norths? Our brand new quarterly free pamphlet publication was just released. It contains this whole blog post with extra tips inside an epic 28 pages PDF.


MapImageLayerManager¶

allows administration (if access permits) of ArcGIS Online hosted map image layers. A map image layer offers access to map and layer content.

The cancel job operation supports cancelling a job while update tiles is running from a hosted feature service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

delete_tiles ( levels , extent = None ) ¶

Deletes tiles for the current cache

وصف

optional dictionary, If specified, the tiles within this extent will be deleted or will be deleted based on the service’s full extent. Example: 6224324.092137296,487347.5253569535, 11473407.698535524,4239488.369818687 the minx, miny, maxx, maxy values or, <“xmin”:6224324.092137296,”ymin”:487347.5253569535, “xmax”:11473407.698535524,”ymax”:4239488.369818687, “spatialReference”:<“wkid”:102100>> the JSON representation of the Extent object.

required string, The level to delete. Example, 0-5,10,11-20 or 1,2,3 or 0-5

edit_tile_service ( service_definition = None , min_scale = None , max_scale = None , source_item_id = None , export_tiles_allowed = False , max_export_tile_count = 100000 ) ¶

This operation updates a Tile Service’s properties

service_definition - updates a service definition min_scale - sets the services minimum scale for caching max_scale - sets the service’s maximum scale for caching source_item_id - The Source Item ID is the GeoWarehouse Item ID of the map service export_tiles_allowed - sets the value to let users export tiles max_export_tile_count - sets the maximum amount of tiles to be exported

وصف

Required ItemId or Item. The TPK file’s item id. This TPK file contains to-be-extracted bundle files which are then merged into an existing cache service.

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Optional Boolean. Default is false and applicable to compact cache storage format. It controls whether the bundle files from the TPK file are merged with the one in the existing cached service. Otherwise, the bundle files are overwritten.

Optional Boolean. Default is false, applicable to compact cache storage format and used when merge=true. It controls whether the new tiles will replace the existing ones when merging bundles.

Returns the job statistics for the given jobId

refresh ( service_definition = True ) ¶

The refresh operation refreshes a service, which clears the web server cache for the service.

The rerun job operation supports re-running a canceled job from a hosted map service. The result of this operation is a response indicating success or failure with error code and description.

وصف

required string, parameter used to re-run a given jobs with a specific error code: ALL | ERROR | CANCELED

required string, job to reprocess

update_tiles ( levels = None , extent = None ) ¶

The starts tile generation for ArcGIS Online. The levels of detail and the extent are needed to determine the area where tiles need to be rebuilt.

..Note: This operation is for ArcGIS Online only.

وصف

Optional String / List of integers, The level of details to update. Example: “1,2,10,20” or [1,2,10,20]

Optional String / Dict. The area to update as Xmin, YMin, XMax, YMax example: “-100,-50,200,500” or

Dictionary. If the product is not ArcGIS Online tile service, the result will be None.


The enumitem package might be useful, combined with some package listed in the Comprehensive Symbol List:

where i , ii , iii , etc. refer to the current bullet level.

One possible way to accomplish it is.

First, include amssymb package by adding the line usepackage in the preamble of your document.

The list of all keywords مثل square, checkmark etc. can be found in amssymb package documentation. Visit: http://milde.users.sourceforge.net/LUCR/Math/mathpackages/amssymb-symbols.pdf

will change that item's bullet to a diamond. This works on a per item basis.


شاهد الفيديو: الانماط العدديه (شهر اكتوبر 2021).